В основе концепции статьи проблема отношения между двумя знаковыми подсистемами в смысловом пространстве текста музыкального произведения: нотацией и авторскими указаниями, комментариями различных видов и функций. Укоренившемуся в исполнительско-педагогической практике формальному членению текста на обязательные для исполнения «ноты» и указания композитора, имеющие как бы второстепенное значение, автор противопоставляет взгляды музыкантов, видящих в традиционной дихотомии «нотный текст - комментарии к нему» теоретическую проблему. Анализируются различия в подходах к ней в трудах С. Е. Фейнберга, Е. Я. Либермана; предлагается к рассмотрению позиция автора статьи, трактующего первую из названных подсистем как базовую, вторую как надстроечную в едином смысло-содержательном пространстве музыкального текста. В ходе развития темы осуществляются историко-стилевые экскурсы, в которых раскрываются пути эволюции авторских комментариев в творчестве композиторов XVII - начала XX веков, обусловленные эстетическими, художественно-технологическими и другими факторами. В историко-стилевых разделах статьи автор опирается на концепцию С. С. Скребкова, изложенную в книге «Художественные принципы музыкальных стилей», в частности, использует в качестве методологического ориентира постулируемый учёным принцип централизующего единства, трактуемый в статье расширительно - как общий диалектический принцип музыкальной логики. Это позволяет стилистически дифференцированно и вместе с тем диалектически целостно изучать практику композиторских комментариев в музыкальных произведениях барокко, классической и романтической эпох. Основным выводом статьи является положение о необходимости для исполнителей и педагогов углубления в сущностные, субстанциональные отношения в едином смысловом пространстве музыкального текста двух основных планов: нотированного, отражающего интровертивный, имманентно музыкальный смысл, и авторских комментариев, где осуществляется денотирование, символизация глубинных структур музыки.
Музыкальное искусство и образование / Musical Art and Education
2019. — Выпуск 3
Содержание:
В статье представлен обзор научных исследований, посвящённый проблеме взаимосвязи музыкальности и общего интеллекта. Отмечается, что проблема взаимоотношения музыкальности, музыкальных достижений и интеллекта является междисциплинарной. Она значима для общей и музыкальной психологии, а также для теории и практики музыкального образования, но в современной русскоязычной научной литературе наблюдается дефицит эмпирических и теоретических работ по данной тематике, что определяет актуальность представленного обзора. В статье обсуждается роль общего интеллекта в становлении музыканта-профессионала и успешности его музыкально-образовательной деятельности. Прослежена преемственность в развитии научных идей и подходов к проблеме с начала прошлого века и до современных исследований. Показано, что музыкальные способности во многом определяются интеллектуальным потенциалом личности, что объясняет связь музыкальных способностей с академической успеваемостью и способностями в немузыкальных областях деятельности. Современные авторы рассматривают музыкальность как многомерное образование, которое лучше описывается в терминах полиморфного музыкального поведения. Представленный обзор показывает, что становление профессионала в музыкально-исполнительской и/или музыкально-образовательной сфере определяется множеством факторов, значимое место среди которых занимает общий интеллект.
Ключевые слова
В статье анализируются результаты эмпирического экспресс-исследования особенностей воздействия исполнительской интерпретации на эмоциональную сферу детей младшего школьного возраста. Рассматриваются основные координаты эмоционального переживания музыки в единстве таких компонентов как модальность, знак (валентность), семантическое пространство, интенсивность, динамика, уровень сложности (мономодальность - полимодальность) и содержание (интенциональность). В экспериментальную программу для сравнительного анализа результатов восприятия учащимися различных по контрасту исполнительских вариантов музыкальных произведений включены: прелюдия К. Дебюсси «Ветер на равнине» (электронная транскрипция в аранжировке Э. Артемьева и фортепианный вариант Б. Лотар-Шевченко) и Прелюдия до мажор Ф. Шопена (трактовки Р. Керера и М. Поллини). В результате анализа эмпирических данных определён основной эффект эмоционального воздействия исполнительской трактовки произведения, который заключается в специфической организации эмоциональных отношений, в перегруппировке эмоциональных признаков и оценок, акцентировании творческих ресурсов ребёнка и проявлении высших чувств - эстетических, гедонистических, романтических, интеллектуальных и др. Модель эмпирического исследования, дифференцированная структура эмоциональных отношений, выявленные особенности воздействия музыкально-исполнительского образа на эмоциональную сферу младших школьников определяют не только перспективы дальнейших исследований в области психологии искусства, но и возможности интеграции опыта реализации данной модели в процессе формирования компетентности студентов в сфере музыкально-исполнительской культуры и развития эмоциональной сферы детей в системе музыкального образования
Ключевые слова
Центральной задачей современного профессионального образования является формирование готовности студентов к самообразованию, саморазвитию. Прямое отношение к решению данной задачи имеют аутодидактические процессы, которые, выступая в качестве основы самостоятельной учебно-познавательной деятельности, помогают студентам преодолеть трудности саморазвития, способствуют активизации творческого потенциала (процессов «самости»), позволяют стать субъектом собственного развития. В статье раскрывается природа музыкального искусства, открывающая возможности для освоения смысловых аспектов действительности с позиций творчества и непрерывного саморазвития; выделяется структура художественно-творческого саморазвития, включающая в себя три уровня - профессионально-ценностное самоопределение; художественно-творческое самосовершенствование; художественно-творческую самоактуализацию; определяется основная стратегия художественно-творческого саморазвития студентов-музыкантов, представляющая собой гармоничное сочетание адаптивного (конформного) и неадаптивного (творческого) типов активности с постепенным преобладанием творческой активности. Особое внимание уделяется компонентам художественно-творческого саморазвития: мотивационно-ценностному, профессионально-деятельностному, личностноразвивающему. Представляя собой грани одного процесса, они взаимо-дополняют и взаимообогащают друг друга.
Ключевые слова
2019 год объявлен годом Мечислава Вайнберга в связи со столетием со дня рождения композитора, чьи сочинения довольно редко звучат в концертных залах России. Это обусловило актуальность настоящей статьи, посвящённой творчеству Вайнберга и призванной дополнить облик композитора педагогическими и исполнительскими наблюдениями и рекомендациями. В работе использованы методы анализа музыкальных произведений (структурного, гармонического и т. д.), а также системный подход в теоретическом осмыслении включения в вузовскую подготовку музыкантов камерно-ансамблевого наследия композитора. Художник и время, композитор и исполнитель, музыкально-художественная интерпретация - это те категории, которыми оперирует музыкально-исполнительское искусство. В данной работе даётся характеристика особенностей музыкального языка Вайнберга на примере камерно-инструментального жанра и, в частности, Сонаты для скрипки и фортепиано A-dur op. 37 № 3. В статье рассматриваются условия для решения стоящих перед исполнителями задач - постижения особенностей камерно-ансамблевого инструментального творчества М. Вайнберга, наиболее полного раскрытия в его произведениях музыкально-художественной образности, определения специфики ансамблевого исполнительства. Опираясь на требования государственных образовательных стандартов в области подготовки музыкантов-инструменталистов нового качественного уровня, авторы отмечают, что включение в содержание музыкального образования проблематики, связанной с прослеживанием синтеза традиционного и новаторского в камерно-ансамблевых инструментальных произведениях композитора, может способствовать профессиональному и духовному росту будущих педагогов-музыкантов. При этом углублённый анализ сочинений, имеющих высокую эстетическую и этическую ценность, приобретает особую значимость для всех, кто обращается к этой музыке, в том числе молодых музыкантов, занимающихся камерным ансамблем.
Ключевые слова
В статье анализируются страницы из фортепианного наследия Д. Кабалевского, которое адресовано детям, обучающимся в детских музыкальных школах и детских школах искусств. Творческий облик музыканта раскрывается сквозь призму его многогранной художественной и общественной деятельности, оценка которой в наши дни претерпела определённый пересмотр. Затрагивается вопрос о причинах ухода в тень многих ранее популярных сочинений известных композиторов советской эпохи, включая Кабалевского. Подчёркивается, что Кабалевский в своём творчестве опирается на лучшие традиции московской фортепианной школы. Это обретает особую значимость в наши дни, когда процесс воспитания юных музыкантов претерпевает процесс инновационных преобразований. Отмечается высокая художественная и инструктивная ценность фортепианного наследия композитора. Анализируются с методических позиций пьесы фортепианного цикла «Из пионерской жизни» ор. 14. Делается вывод, что циклы Кабалевского, обращённые к детям, не утратили своей художественной и педагогической ценности и потому могут быть использованы в современной педагогической практике в полном своём объёме. Что касается циклов, посвящённых пионерской жизни, то они могут сыграть для подрастающего поколения важную познавательную роль - пробудить интерес к ушедшей в прошлое интереснейшей странице художественной жизни страны.
Ключевые слова
В статье рассматриваются проблемы освоения китайскими студентами-пианистами бинарных циклов И. С. Баха и Д. Д. Шостаковича, входящих в масштабные полифонические сборники композиторов - «Хорошо темперированный клавир» и «Двадцать четыре прелюдии и фуги» ор. 87. Показано, что эти проблемы обусловлены особенностями китайской системы музыкального образования, базирующейся на характерных чертах национальной культуры (монодийности, преобладающей роли пентатонно-модальной системы, интонационном словаре и логике развёртывания содержания, принципиально отличающихся от европейской трактовки), а также невысоким уровнем теоретических знаний учащихся о полифонической музыке и традициях её интерпретации. По мнению авторов, важной ступенью на пути китайских студентов к пониманию и профессиональному истолкованию полифонического наследия композиторов могут стать интонационный, цивилизационный и парадигмально-педагогический подходы. Последовательный переход от национальных образцов многоголосия к европейским полифоническим произведениям, их изучение сквозь призму предложенных педагогических подходов обеспечивает возможность многогранного осмысления учащимися феномена полифонии в музыкальном искусстве, прослеживания в нём традиций и новаторства, что положительно отражается на исполнительском освоении студентами полифонических опусов
Ключевые слова
В статье рассматривается деятельность педагога-музыканта по выбору учебного фортепианного репертуара. В настоящее время в Китае эта практика опирается почти исключительно на эмпирический опыт преподавателей и во многом носит случайный характер, не имеет достаточного методического обеспечения. Используется довольно стандартный, так называемый базовый музыкальный репертуар, особенно на начальном уровне фортепианного обучения в жанре программной пьесы. При этом в должной мере не учитывается индивидуальность ученика, его личностные качества, перспективное музыкальное развитие, жанровое и стилевое разнообразие произведений, те или иные методические показания для изучения, мотивационная готовность. Есть настоятельная необходимость расширения детского фортепианного репертуара в Китае, в первую очередь за счёт произведений композиторов других стран, например нетрудных пьес русских авторов советского и постсоветского периодов. В статье приводятся конкретные примеры составления учебного репертуара в контексте приобщения юных музыкантов к исполнению музыки разных эпох и национальных школ, знакомства с различными композиционными техниками и направлениями. При этом кропотливый индивидуальный подбор каждой пьесы имеет ярко выраженный методический, просветительский и мотивационный эффект.
Ключевые слова
Статья посвящена малоисследованной проблеме педагогики музыкального образования - определению научных оснований содержания и процесса освоения сирийской музыкальной культуры будущими музыкантами-педагогами в высших учебных заведениях России. Согласно авторской концепции, необходимой научной предпосылкой для решения обозначенной проблемы является теоретическое обоснование основных периодов исторического становления и развития музыкальной культуры Сирии как способа познания музыкального искусства в контексте эволюции культуры. В статье получили отражение взгляды исследователей-музыковедов (арабских и российских) на периодизацию истории музыкальной культуры Сирии, определена позиция авторов относительно необходимости разработки нового - культурологического - подхода к периодизации, педагогически ориентированного на применение в практике работы российских педагогических вузов. Его теоретическое обоснование и реализация применительно к исследованию сирийской музыкальной культуры позволили обобщить основные тенденции формирования музыкальной культуры Сирии на основе концепции её открытости и способности вести плодотворный диалог с музыкальными традициями арабского и европейского мира. Предложенная периодизация рассматривается авторами как научный инструментарий для освоения основополагающих закономерностей сирийской музыкальной культуры будущими музыкантами-педагогами, обучающимися в высших учебных заведениях России. В соответствии с выявленными историческими периодами в статье получает раскрытие процесс становления и развития ментально значимых черт сирийской музыки. Исследуя содержательные особенности каждого из выделенных периодов, подчёркивается значимость типологических характеристик сирийской музыкальной традиции в соотношении древних её истоков и привнесённых влияний как восточных (арабских), так и европейских. Анализ сирийской музыки с культурологических позиций позволил выявить доминантную тенденцию её развития, выраженную в стремлении сохранить национальные традиционные ценности на протяжении многовековой истории вплоть до наших дней, охарактеризовать соотношение вокальной и инструментальной музыки, особенности её жанров и ладовое своеобразие.
Ключевые слова
В данной статье, с целью поиска путей развития современного музыкального образования, рассматривается опыт музыкального образования учащихся в отечественной начальной школе второй половины XIX - начала ХХ века, в частности, в городских начальных училищах по «Положению 1872 года». Несмотря на то, что пение и игра на музыкальных инструментах не входили в учебный план таких училищ и преподавались во внеклассное время, в работе приводятся примеры обучения пению и игре на музыкальных инструментах учеников городских училищ в разных регионах России. В исследовании показано, что в ряде из них, например, в московских, музыкальному образованию уделялось серьёзное внимание, пение было обязательным предметом. В некоторых училищах для желающих, дополнительно к основным предметам и чаще за небольшую плату, было организовано обучение игре на музыкальных инструментах. В статье затрагиваются вопросы цели, содержания, методов, форм обучения пению, учебных пособий, использования на уроках музыкальных инструментов, образовательном уровне педагогов; анализируется изменение статуса предмета пение в процессе реформирования системы начального общего образования и преобразования городских училищ в высшие начальные училища.
Ключевые слова
Стимулом к написанию данной статьи стало стремление охарактеризовать педагогический потенциал метода «одноголосного коллективно-распределённого пения» на начальных этапах обучения младших школьников хоровому исполнительству на уроках музыки. Его суть заключается в особом подходе к разучиванию и исполнению мелодий песен или вокально-хоровых упражнений, когда в процессе их развёртывания предусматривается последовательная передача / перенимание мелодической линии от одного певца к другому/другим или от одной группы поющих к другой. В статье получает раскрытие авторская позиция, согласно которой данный метод рассматривается как особая разновидность ролевого пения. На начальном этапе обучения хоровому исполнительству его применение создаёт благоприятные условия для осуществления индивидуально-личностного подхода к учащимся в процессе вокально-хоровой деятельности; способствует овладению ими вокально-хоровыми умениями и навыками; является эффективным средством подготовки детей к интонационно чистому и выразительному интонированию исполняемой ими «партии»; способствует приобретению учащимися опыта прослеживания процесса развёртывания мелодической линии как диалога/полилога нескольких хоровых партий, каждая из которых вносит новые краски в её развитие. Стимулирует такая разновидность хорового исполнительства и подготовку младших школьников к освоению многоголосного пения.